Restauración de Caballito atiza
polémica (REFORMA)
La
propuesta para restaurar El Caballito, con daños desde 2013 tras una agresiva
limpieza con ácido nítrico, fue cuestionada por especialistas que consideran
contraproducente el procedimiento. Ni
el Fideicomiso del Centro Histórico ni el INAH han presentado oficialmente los
resultados del diagnóstico a la estatua ecuestre de Carlos IV, tampoco el
proyecto de restauración, pero el arquitecto Marco Aurelio Maza, miembro del
grupo de expertos que valoró el estado de la obra, detalló en la página de
facebook Caballito Conservación la propuesta. "La
intervención que se realizará en las lagunas creadas por la intervención el
2013, tendrá como objetivo principal el restablecimiento de la unidad potencial
de la obra de arte, tal y como lo estipulan los postulados internacionales de
la restauración, puesto que la laguna es la interrupción del tejido figurativo
de la obra", explica. Refiere
como antecedente la escultura ecuestre del emperador Marco Aurelio, intervenida
por el Instituto Superior para la Conservación y la Restauración (ISCR) de
Roma, en los 80. "Después
de la limpieza, la reintegración de todas las reparaciones históricas fueron
realizadas con la técnica del rigattino", apunta.
Jannen
Contreras, restauradora especialista en metales de la Escuela Nacional de
Conservación, Restauración y Museografía Manuel Castillo Negrete consideró
errónea la opción perfilada. "De
hacerse no sólo sería inútil sino inconveniente porque provocaría un problema
de corrosión que se denomina aireación diferencial, como le pasaría a un auto
si a alguien se le ocurriera que es buena idea pintarlo con brocha. Lo más
absurdo es pretender resolver un problema electroquímico como el de la capa de
corrosión dañada, mediante una técnica de reintegración cromática (retoque de
color) desarrollada para pintura de caballete, cuya naturaleza es absolutamente
distinta", previno. El
arquitecto Miguel Ángel Silva Haro lamentó que pretendan
"experimentar" con la obra de Manuel Tolsá. El INAH debía asumir
desde el principio la responsabilidad del diagnóstico y el proyecto de
restauración, comentó en el foro de facebook Arte y Patrimonio. El Caballito. La
propuesta de la reintegración, escribió Maza, deberá tener el consenso del
comité científico de investigación, así como especialistas en restauración de
metales. http://www.reforma.com/aplicacioneslibre/articulo/default.aspx?id=563142&md5=4f70cdcbdd53d7a45e7d86f838db6ac6&ta=0dfdbac11765226904c16cb9ad1b2efe#ixzz3cktWedMi
¿Dónde está el ron? (REFORMA)
"¿Dónde
está el ron?", cuenta Leonardo Padura que le dijo el Conde cuando supo, a
las 4:45 horas de ayer en La Habana, que se había convertido en el primer
escritor cubano ganador del Premio Princesa de Asturias de las Letras. "Si
este premio puede contribuir a que el interés por Cuba se haga más visible y a
que las cosas marchen más rápido y mejor para los cubanos, me parece muy
bien".
Leonardo
Padura: "Yo
nunca pienso que los premios honoríficos son alcanzables", afirma Padura
en entrevista telefónica. "Que
el jurado haya decidido optar por tu trabajo es una satisfacción enorme, pero
uno sabe que pudo no haber llegado nunca". El
ex policía Mario Conde, su personaje fetiche, protagonista de ocho de sus
novelas, desde Pasado perfecto hasta Herejes, dio proyección internacional a
una obra que, según el ensayista cubano Rafael Rojas, se inscribe en la
tradición realista, y surge del ejercicio profesional del periodismo y la
crónica. "Lo
que distingue a Padura dentro de su generación, y frente a la anterior, es que
ha logrado incorporar esa tradición realista al contexto del mercado global del
libro, por medio de una mayor autonomía, un mejor conocimiento del oficio y
mensajes más claramente críticos", señala el investigador del CIDE.
Para
el escritor cubano, el galardón reconoce a la novela negra como un género capaz
de expresar, con calidad literaria, la realidad de un país, un empeño al que se
han sumado autores como Paco Ignacio Taibo II, Petros Márkaris y Andrea
Camilleri. "Desde
hace años hemos tratado de hacer una novela policiaca social con un alto vuelo
estético", sostiene Padura, quien el 9 de octubre cumplirá 60 años, y el
23 de ese mes recibirá el Princesa de Asturias, dotado con 56 mil 500 dólares. Lamenta
que tantos dólares no le alcancen para cambiar su Subaru, que conduce desde
hace 18 años. "Para comprarme un automóvil nuevo en Cuba necesito un
cuarto de millón de dólares, así que tendré que seguir con el viejito, que es
muy fiel y lo quiero mucho". Cuba
se encuentra en un momento político de gran visibilidad, en el centro de muchos
intereses económicos, acepta, pero confía en que su galardón no se deba a
consideraciones extraliterarias. Rojas asegura que es un reconocimiento a la
eficacia indiscutible del autor, pero también a lo que significa su literatura
actualmente en la isla. "En
ese sentido, considero la decisión acertada, ya que si hay un escritor dentro
de Cuba que ha sabido defender la idea de la literatura como profesión, ha sido
Padura. Simboliza una literatura que se desprende de los controles ideológicos
y estéticos del Estado y se abre al mercado sin perder calidad y sentido
crítico. Se trata, por tanto, de un premio oportuno", agrega. El
escritor cuenta que asume la literatura como un reto. Empieza temprano a
trabajar, y hacia el mediodía, cuando siente que el texto fluye sin dificultad,
sabe que es el momento de parar. "Soy
un autor que escribo, reescribo, y vuelvo a revisar, a pulir", explica
Padura, quien se apoya en un grupo de amigos lectores -la primera es Lucía, su
esposa- para resolver sus limitaciones: "Todo lo que he logrado se lo debo
al esfuerzo, nunca escribir es fácil".
Padura
no sufre por lectores. Considera "invaluable" haber ganado varias
veces el premio que otorga la red nacional de bibliotecas en Cuba al escritor
más leído, y le regocija que, según le han contado, el empresario Carlos Slim
acostumbre regalar a sus amigos ejemplares de su novela El hombre que amaba a
los perros. Martín
Solares, gerente editorial de Tusquets México, firma que publica al autor,
destaca el hecho de que, a diferencia de otros narradores cubanos, no haya
buscado resaltar el lado turístico de la isla.
"Padura
se ha propuesto, con un enorme valor, disipar todo tipo de espejismos que
impidan exponer claramente el desencanto que ha sufrido la generación de
cubanos que creyó en los ideales de la Revolución", señala el editor,
quien informa que este mes ha comenzado a circular un volumen de cuentos del
autor: Aquello estaba deseando ocurrir. Desde
Mantilla, su barrio de toda la vida, Padura adelanta que será hoy cuando
celebre con sus amigos, como lo haría el Conde, la distinción del Princesa de
Asturias, pero con vino tinto, advierte, nada de ron.
Escribir cuento es rondar la perfección
(REFORMA)
Los
escritores de historias cortas del Reino Unido forman una comunidad cerrada,
casi como una secta, por ser los bichos raros que no aspiran a escribir
novelas, dice Paul McVeigh.
"Los
propios editores te preguntan que cuánto les llevas tu novela porque es muy
difícil que te publiquen cuentos", señala McVeigh en entrevista. Él,
uno de los cuentistas más conocidos de aquellas latitudes, está de visita en
México, junto a Tania Hershman para reunirse con sus contrapartes mexicanos,
como Antonio Ramos Revillas, Mónica Lavín, Emiliano Monge y Humberto Félix
Berumen en la Ciudad de México, Monterrey y Tijuana.
El
escritor, fundador del Festival de Cuentos de Londres, dice que escribir
cuentos es diferente a escribir relatos largos porque ahí cada palabra cuenta. "Se
acerca a la perfección, también a la poesía, porque cada enunciado tiene que
tener un significado".
Él
decidió enfocarse en los cuentos después de escribir por encargo para
sobrevivir. "Sólo
quería escribir cosas que me salieran del corazón", dice. McVeigh
tiene un blog con más de 40 mil seguidores, en el que escribe sobre el cuento,
hace entrevistas y reflexiones al respecto. En
el poco contacto que ha tenido con la literatura mexicana, McVeigh detecta
características propias como una gran imaginación, rayando en el surrealismo,
además de hablar sobre temas relevantes, a los que no les sacan la vuelta. "En
el Reino Unido, los relatos se concentran mucho en la clase media. No hay
escritores de clase trabajadora hablando sobre lo que sucede entre la clase
trabajadora", reconoce.
http://www.reforma.com/aplicacioneslibre/articulo/default.aspx?id=563041&md5=d68c393738d6b26159deba032c3d19df&ta=0dfdbac11765226904c16cb9ad1b2efe#ixzz3cktl8A6w
La amistad surrealista de Walt Disney y
Salvador Dalí (EL UNIVERSAL)
Además
de su amor por el entretenimiento sano, Walt Disney tenía un aprecio por lo
excéntrico que lo llevó a una sociedad efímera y una amistad de décadas con el
artista surrealista Salvador Dalí. Aunque
sus estilos y personalidades eran radicalmente diferentes, Disney y Dalí
compartían una fascinación por lo fantástico. Poco después de la Segunda Guerra
Mundial unieron sus vívidas imaginaciones para trabajar en una cinta animada
llamada "Destino", que se completó cuando ambos habían muerto. Aun
después de que abandonaron el proyecto, ambos artistas se mantuvieron en
contacto e incluso viajaron el uno a la casa del otro, intercambiando historias
sobre pesca y discutiendo periódicamente planes para hacer una película basada
en "Don Quijote". Ese sueño nunca se materializó. Disney murió en
1966. Dalí, tres años menor, falleció en 1989.
El
improbable lazo entre el cerebro creador de Disneylandia y el pintor español de
imágenes distorsionadas es el tema de una exhibición que estará abierta del 10
de julio al 3 de enero en el Walt Disney Family Museum en San Francisco. Luego
pasará al Museo de Dalí en St. Petersburg, Florida. La
muestra incluirá guiones gráficos de "Destino", cartas, grabaciones
de voz y arte rara vez visto, incluyendo un dibujo de Don Quijote que Dalí hizo
para Disney en 1957 adentro de un ejemplar de "Macbeth" de
Shakespeare. "Esto
mostrará una faceta de Walt en la que la gente normalmente no piensa: para él
no todo eran las cosas dirigidas a la familia", dijo el cineasta Ted
Nicolaou, curador de la exhibición. "No era sombrío, pero lidiaba con
sueños e imágenes fantásticas. Era un hombre dispuesto a experimentar de
cualquier modo posible".
Dalí,
un pionero del movimiento surrealista europeo, pensó que Disney sería un alma
gemela cuando vio algunas de sus primeras animaciones en la serie "Silly
Symphony" que se transmitió de 1929 a 1939. Nicolaou dijo que un sketch de
"Silly Symphony" con un baile de esqueletos atrajo particularmente a
Dalí, cuyas pinturas de relojes que se derriten, apariciones, monstruos y otras
criaturas a menudo colidan con lo alucinante. La
primera vez que estuvo en California en 1937, Dalí buscó a otro artista al que
consideraba un maestro del surrealismo: el comediante Harpo Marx. También vio
trasfondos surrealistas en el trabajo de Disney y del cineasta Cecil B.
DeMille. Disney
ya había sentido fascinación por Dalí. Tras leer la autobiografía del artista,
le envió su ejemplar en 1944 para que se lo autografiara. También sugirió que
Dalí trabajara en una cinta de animación al estilo del musical de Disney de
1940 "Fantasía". La
sociedad no se logró sino hasta finales de 1945, poco después de que Disney y
Dalí se vieron por primera vez en una fiesta en Hollywood ofrecida por el
magnate del cine Jack Warner. Para ese entonces, Dalí ya había realizado parte
de la secuencia de un sueño para una película de Alfred Hitchcock, "Spellbound"
("Cuéntame tu vida"). Dada
la amplia variedad de opciones en la vasta biblioteca musical de Disney, Dalí
decidió hacer su animación con la balada española "Destino", porque
el título resonaba con su interés en el destino. Disney asignó a uno de sus
animadores de mayor confianza, John Hench, para que lo ayudara.
Mientras
trabajaba con Hench para producir más de 200 storyboards y bocetos para "Destino",
Dalí tuvo dificultades para crear una trama que tuviera sentido para Disney.
Las diferencias entre ambos se hicieron evidentes en una entrevista de 1946 en
la que se les preguntó sobre su visión para "Destino". Dalí la describió
como "una exposición mágica de vida en el laberinto del tiempo";
Disney, como "una simple historia de amor: un chico que conoce a una
chica". Sus
diferencias se incrementaron cuando Dalí comenzó a introducir imágenes de
jugadores de béisbol en "Destino". Exasperado por haber gastado ya
unos 70 mil dólares en un proyecto que no parecía ir para ninguna parte, Disney
decidió cancelarlo. "Fue
demasiado salvaje para Walt, así que silenciosamente lo suspendió", dijo
Nicolaou. "Creo que Dalí estaba avergonzado y dolido por eso". Pero
su separación profesional no pareció afectar su relación como amigos. Durante
la década de 1950, Dalí visitó la casa de Disney, donde se montó en su trencito
"The Lilly Belle", y luego Disney y su esposa viajaron a ver a Dalí y
Gala, la esposa del artista, en su casa de Port Lligat, España. "Destino"
se completó finalmente en el 2003 luego que el sobrino de Walt, Roy, contrat
al director francés Dominique Monfery para que terminara lo que el pintor dejó
atrás con la ayuda de computadoras. Hench, entonces un nonagenario, ayudó a los
animadores a descifrar hacia dónde quiso llevar Dalí inicialmente la historia. La
adaptación incluye imágenes daliescas de plantas con ojos, hormigas que se
transforman en hombres con boinas en bicicleta y una bailarina de ballet que se
saca la cabeza y se la lanza a un beisbolista que blande un bate. "Destino"
fue nominado a un premio Oscar en el 2004 al mejor cortometraje animado. Aunque
no ganó, Nicolaou dice que la pieza merece reconocimiento por "ampliar de
a poco nuestra visión de quién fue Walt Disney".
http://www.eluniversal.com.mx/cultura/2015/impreso/la-amistad-surrealista-de-walt-disney-y-salvador-dali-76984.html
Vanidad de un esqueleto femenino del
940 a.C. (EL UNIVERSAL)
Los
restos de una mujer en Etiopía, a la que llamaron "La bella
durmiente", fueron hallados frente a un pequeño espejo y con todo tipo de
cosméticos; llevaba consigo un collar de miles de joyas diminutas y un cinturón
de cuentas. En
el norte de Etiopía fueron encontrados los restos de 2 mil años de antigüedad
de una mujer que, según creen los expertos, era considerada sumamente bella por
sus iguales y que, de acuerdo a la posición en que ha sido descubierto el
esqueleto, ha llevado a los investigadores del Museo Británico a denominar a esta
dama la "Bella durmiente". De
acuerdo con el diario The Guardian, los restos datarían del año 940 a.C por lo
que, sumado al lugar donde han sido encontrados, la mujer pudo haber vivido en
una época en la que dicha región estaba dominada por el reino Aksum, una
civilización perdida que fue toda una potencia comercial y se ubicaba entre la
India y el Imperio Romano. De
acuerdo con Louise Schofield, jefa de la investigación, la razón de que se le
denominara "la bella durmiente" es simple. Bella porque fue enterrada
frente a un pequeño espejo y con todo tipo de cosméticos, prácticas que eran
realizadas cuando el fallecido era considerado guapo y cuidaba mucho su
aspecto. Durmiente por la forma en la que estaba colocada: "estaba
acurrucada a un lado, con la barbilla apoyada en una mano que contaba con un anillo
de bronce", relata la experta.
Schofield,
que segura que no esperaba encontrarse unos restos tan valiosos, señalo que la
mujer llevaba consigo un collar de miles de joyas diminutas y un cinturón de
cuentas, cuya calidad sugiere que era una persona de alto estatus.
A
su vez, también aparecieron junto a ella dos vasos de vidrio perfectamente
conservados, un frasco para "atrapar las lágrimas" de los muertos,
ambos objetos de origen romano, y una jarra de arcilla que podría haber
contenido comida y agua para la "otra vida".
"La
bella durmiente" también estaba acompañada por los esqueletos de varios
guerreros, asesinados posiblemente en los campos de batalla cercanos, y los
restos de otra mujer que contaba con un collar de 1065 piezas de vidrio. Todos
ellos en tumbas diferentes.
Este
no es el primer descubrimiento de este tipo de Louise Schofield ya que, de
acuerdo al diario The Observer, hace dos años que la investigadora descubrio
varios restos en esta zona de Axum, la capital del reino de Aksum, que en su
momento destacaba por ser toda una potencia comercial.
Cómo mirar y entender una obra de arte
(EL UNIVERSAL)
El
gestor cultural Manuel Drezner da cuenta en un libro sobre el cambio de actitud
que tiene el espectador frente a una pieza pictórica cuando tiene datos curiosos,
"chismecitos" sobre ella. A
más de uno, quizás, le ha ocurrido que llega a un gran museo -como el Louvre,
en París; el Prado, en Madrid; el Metropolitan, en Nueva York, o la National
Gallery, en Londres- porque se trata de un referente turístico obligado. Sin embargo,
mientras recorre sus infinitos pasillos, pasa por enfrente de obras pictóricas
que no le dicen nada. Así
les solía ocurrir a familiares y amigos del gestor cultural bogotano Manuel
Drezner, que se dio cuenta del cambio de actitud que tenían sus allegados
cuando les contaba "chismecitos" curiosos de una obra de arte o el
contexto histórico que había obligado a un artista a darle vida. A
raíz de eso, a Drezner le surgió la idea de escribir el libro de gran formato
'Explorando el arte: cómo mirar y entender un cuadro', en el que entrega
consejos útiles para sacarle gusto a una obra pictórica. "Es
un libro para aquellos que en un momento determinado se dan cuenta de que
dentro de la pintura hay cosas muy bellas, pero no saben por qué son
bellas", anota el escritor y crítico musical. Uno
de los primeros consejos de Drezner (1932) es aprender no solo a
"mirar" la obra (posar simplemente los ojos sobre ella), sino a
"verla", a analizarla. "Una
obra de arte tiene dos elementos: el básico, que es la inspiración del artista,
pero por el otro lado, están las técnicas que usó, la perspectiva, la
combinación de colores y la composición. Y cuando uno analiza la forma en que
el artista aplicó la técnica a su inspiración, entonces se explica qué es lo
que trató de expresar", comenta el también autor del libro Música,
lenguaje del mundo.
En
este punto, otro consejo fundamental para entender una obra de arte es conocer
el contexto histórico que la rodea. "Picasso no habría creado el Guernica
si no hubiera ocurrido la Guerra Civil Española. Por eso es tan importante
saber qué pasó en Guernica para entender la rabia que se siente en ese cuadro.
Por ejemplo, en otra época solo se pintaba a la realeza porque ellos eran los
únicos que podían pagarle a un artista", anota el autor. Agrega
que quizás el arte es de esas disciplinas que se ha ocupado de todos los temas
de la humanidad: el paisaje, la historia, la mitología, el retrato, el amor,
las costumbres de la gente. "Hasta de la pornografía. Recuerde que hay
muchos cuadros que han sido acusados de eso, y que son obras maestras.
Posiblemente esa universalidad es lo que lo hace tan interesante, porque dentro
del arte siempre se encuentra algo que le llama la atención a uno",
concluye Drezner. Tras
los secretos del arte. A
lo largo del libro, el autor explica curiosidades y detalles de más de 50 obras
del arte universal como ‘Las meninas', de Velázquez; ‘La Gioconda', de Da
Vinci; ‘La noche estrellada', de Van Gogh; ‘La persistencia de la memoria', de
Dalí; ‘Tres músicos', de Picasso, y ‘La danza', de Matisse.
Margit Frenk: honran a una divina garza
(EXCELSIOR)
Para
Margit Frenk (Hamburgo, Alemania, 1925), la lengua española es una suerte de
edificio que se ha construido al paso de los siglos, un organismo vivo que
respira, crece, se inquieta y muta, una construcción que en lugar de vigas y
ladrillos se sostiene de palabras sobre un cimiento de sintaxis. Así que su
estudio es tan necesario como la existencia de la biología o la arquitectura. Así
lo comenta la ensayista y filóloga en entrevista con Excélsior, quien recibirá
un homenaje en la Sala Manuel M. Ponce del Palacio de Bellas Artes, para
celebrar sus 90 años de vida, el próximo 18 de agosto. “Sobre este homenaje
puedo decirte que me siento contenta, es emocionante y hace que uno se sienta
la divina garza por un momento (dice en broma). Es bonito”. Especialista
en lírica popular antigua española y autora de libros como Nuevo corpus de la
antigua lírica popular hispánica (2003), Entre la voz y el silencio (2005),
Poesía popular hispánica: 44 estudios (2006) y un ensayo introductorio a la
nueva edición de El cantar de mio Cid que recientemente publicó la Academia
Mexicana de la Lengua (AML), entre otros, Frenk ha sido académica por el
Colegio de México (Colmex) y la Facultad de Filosofía y Letras de la UNAM. Ahora,
desde el sillón de su casa en el centro de Tlalpan, la ensayista asegura que
hace mucho que no piensa en las jarchas mozárabes, esos versos que se volvieron
populares alrededor del siglo IX. “Hace mucho que hice eso, es un campo en el
que ya no se puede explorar nada”, dice entre risas. Más
bien reincide en el terreno de la lírica popular antigua española, esa lírica o
canciones populares que fueron hechas durante la Edad Media, pero que casi
nadie ponía por escrito. Lo
cierto es que hubo una moda o un gusto por esas canciones, la cual empezó
cuando las recopilaciones de música de la época se apoyaban en canciones
populares, explica. ¿Considera
que esta lírica modificó, de alguna forma, la lengua española?, se le pregunta
a la estudiosa. “Yo no lo creo, porque la lengua vive, tiene su propia vida, su
propia evolución y transformación, independientemente de la literatura y las
canciones populares. No creo que un producto literario influya decisivamente en
la lengua”. Una
de las preguntas que durante mucho tiempo rondaron la cabeza de Frenk fue la
siguiente: ¿por qué durante el siglo XVII las personas de todas las clases
sociales asistían al teatro? La respuesta tardó en encontrarla y ahora parece
obvia:
“Porque
todos eran fanáticos del teatro. Además, ahora se sabe que cada tarde las
personas iban al corral de comedias, a oír piezas de Félix Lope de Vega, Juan
Ruiz de Alarcón y Tirso de Molina”. Entonces
la académica se detiene en un detalle: ¿Y cómo era posible que los analfabetos
entendieran esas comedias llenas de mitología, historia antigua, construidas en
verso y con un lenguaje retórico complejo? “Eso fue posible porque hasta la
gente más humilde y analfabeta habían oído mucha literatura en voz alta”,
asegura. Este
fenómeno tiene una explicación, comenta, pues hasta antes del siglo XIX toda la
lectura era en voz alta. “En ese tiempo muy pocos leían en silencio; con
decirte que el verbo leer significaba leer en voz alta y que cuando alguien
quería referir la lectura en silencio debía decir que alguien leía en secreto o
para sí. Así que este acto de la lectura en silencio es muy reciente”. Al
respecto, el propio J.W. Goethe comentó alrededor del año 1800 que eso de leer
en silencio era algo totalmente artificial, pues la poesía debía recitarse y
cantarse, y el teatro debería actuarse para que todos los géneros entraran por
el oído y no por la vista, apunta.
UNA
ILUSIÓN,
UNA PASIÓN
Otro
de los temas que le interesan a Margit Frenk es el de la oralidad pura. ¿Acaso
esto es posible? En su opinión sí, pues aunque se sabe que donde existe la
escritura no puede haber oralidad pura, muchas lenguas en todo el mundo carecen
de escritura. Y eso abona a una oralidad pura. Para
comprobarlo, recuerda que un equipo de investigadores de la UNAM lleva a cabo
en Morelia un estudio sobre las tradiciones y la oralidad pura a partir de las
leyendas existentes. ¿Puede
sobrevivir una lengua pura a pesar de que las leyendas mutan al transmitirse?,
se le inquiere. “Pienso que la poesía popular vive en variantes, es decir, no
existe un texto fijo, sino que se mueve y se repite, pero en el fondo siempre
conserva algo esencial de cada texto. Es cierto, los cuentos y las leyendas se
transmiten y cambian las palabras, pero la esencia se mantiene”. ¿Es
la lengua de la Edad Media un objeto inmóvil? “A menudo se piensa que la lengua
española de la Edad Media está fija, pero sólo es una ilusión. La vemos inmóvil
en los textos, pero al leer varias versiones de un mismo manuscrito
comprenderíamos que sigue en movimiento”.
¿Qué
opina de quienes piensan que es innecesario estudiar la historia de la lengua
española? “Equivale a pensar que no deberíamos de estudiar los animales, ¿para
qué estudiar la biología, los árboles, las plantas? La gente dice eso porque no
comprende lo que significa la pasión por investigar”. Para
cerrar la entrevista, Margit Frenk vuelve la mirada al pasado y recuerda en qué
momento se interesó por la lengua española y la literatura del siglo de oro.
Primero le viene la imagen de su mamá, la escritora y traductora Mariana
Frenk-Westheim, quien tradujo Pedro Páramo de Juan Rulfo al alemán. “Ella
estudió literatura española, portuguesa y francesa sin tener estudios formales.
Claro que esas cosas no se heredan, pero sí se obtienen”, asegura. Sin embargo,
reconoce que cuando ella ingresó a la universidad quería estudiar filosofía y
sicología. “Era
lo que me apasionaba, pero mis papás vivían con pocos recursos y la idea era
terminar los estudios y dar clases de secundaria. Pero como la filosofía y la
sicología no me servían para eso, entré a la Facultad de Filosofía y Letras”,
donde cursó una carrera frustrante por el bajo nivel de enseñanza. Poco después
descubriría la lírica popular antigua con Julio Torri. Desde entonces ha vivido
enamorada del tema.
¿QUIÉN
ES MARGIT FRENK?
Filóloga,
hispanista y traductora. Vive en México desde 1930. Trabaja como académica en
la UNAM y desde 1993 es miembro de la Academia Mexicana de la Lengua (AML). Es
autora de Las jarchas mozárabes y los comienzos de la lírica románica, el Nuevo
corpus de la antigua lírica popular hispánica, Entre la voz y el silencio y
Poesía popular hispánica: 44 estudios. Ha investigado el Siglo de Oro español y
la poesía novohispana. Este año publicará su libro Don Quijote ¿muere cuerdo? y
otros ensayos.
Mario Vargas Llosa e Isabel Preysler
sorprenden en portada de ¡Hola! (EXCELSIOR)
La
edición española de la revista ¡Hola! publicó fotos del escritor peruano Mario
Vargas Llosa e Isabel Preysler. e
acuerdo con la publicación, ambos fueron captados compartiendo el almuerzo en
la ciudad de Londres, a donde fueron invitados por el príncipe de Gales con motivo
de la cena de Po Drcelanosa. La
misma revista señala que el autor de La ciudad y los perros se encuentra
separado de su mujer, Patricia Llosa, y que el esposo de Preysler, el
exministro socialista Miguel Boyer, falleció el año pasado. Según ¡Hola! ambos
“han estrechado” su relación últimamente. La
primera vez que fueron fotografiados juntos fue en 1986, cuando Preysler, quien
estuvo casada con el cantante Julio Iglesias, lo entrevistó para la revista, en
donde salió una imagen de ambos tomados del brazo. Con
respecto a las fotos y el manejo de la información, Patricia Llosa declaró en
un comunicado de prensa: "Mis
hijos y yo estamos sorprendidos y muy apenados por las fotos que han aparecido
hoy en una revista del corazón. Hace apenas una semana estuvimos con toda la
familia en Nueva York celebrando nuestros 50 años de casados y la entrega del
doctorado de la Universidad de Princeton. Les rogamos respetar nuestra
privacidad".
Hijo de inmigrantes mexicanos, primer
latino al que nombran poeta laureado de EU (LA JORNADA)
La
Biblioteca del Congreso de Estados Unidos anunció ayer que ha nombrado al poeta
estadunidense de origen mexicano Juan Felipe Herrera poeta laureado, el primer
hispano en conseguir este reconocimiento creado en 1966. Sus
poemas crean una gran noción de juego, en el lenguaje y en la imagen, que creo
que les da un poder perdurable, dijo el bibliotecario del Congreso, James
Billington. Veo cómo defienden voces, tradiciones e historias, así como una
perspectiva cultural que es una parte vital de nuestra amplia identidad
estadunidense, añadió. Herrera,
quien sucede en el puesto de poeta laureado de Estados Unidos a Charles Wright,
se sintió honrado al recibir este reconocimiento y ser el primer autor de
origen hispano en conseguirlo. Es
un gran honor para mí, para mi familia y para mis padres, que vinieron al norte
antes y después de la Revolución Mexicana de 1910, dijo Herrera, considerado
una de las figuras claves de la poesía chicana. Muchos de sus poemas están escritos
en inglés y español. Herrera
es autor de 28 libros de poesía, novelas para jóvenes y adultos, y libros para
niños; el más reciente, Retratos de los héroes hispanoamericanos (2014), se
centra en figuras latinas destacadas.
Este
poeta de 66 años, nacido en Fowler, California, e hijo de inmigrantes
mexicanos, ha escrito varios poemarios, entre los que destacan La mitad del
mundo en luz (2008), que ganó los premios Círculo de Críticos Nacional del
Libro y el Internacional del Libro Latino. Su libro de poemas más reciente es
Senegal Taxi (2013). Herrera,
quien ha sido profesor de escritura creativa en la Universidad de California,
fue elegido en 2011 canciller de la Academia de Poetas Estadunidenses,
organización nacional que promueve a poetas y su obra en Estados Unidos. Entre
2012 y 2015 fue poeta laureado de California.
La
Biblioteca del Congreso elige una vez al año a un poeta laureado, con la
finalidad de promover la apreciación de la lectura y la escritura de la poesía
en Estados Unidos. Ayer
anunció la designación de Herrera como el vigesimoprimer poeta laureado para
2015-2016, a partir de septiembre. Algunas
de las obras que Herrera más disfrutó escribir están reunidas en Half the World
in Light (La mitad del mundo en luz), poemario elogiado por documentar su
experiencia chicana en Estados Unidos. Herrera
nació en 1948 en Fowler, California. Su familia se mudaba a menudo, y en
ocasiones vivió en carpas y remolques junto a la carretera. Su padre aprendió
inglés pagándoles a otros trabajadores centavos por cada palabra que le
enseñaban. Herrera
planea el programa Casa de Colores, así en español, para incluir personas de
toda etnia y cultura. Podría organizar actos con jóvenes para atraerlos a la
poesía, quizá con poemas de Walt Whitman y haciéndoles componer un poema en
grupo para recitarlo o interpretarlo con música. O tal vez el público pueda
contribuir a un proyecto nacional de escritura enviando textos por Internet. “Soy
el primer poeta laureado latino de Estados Unidos. Quiero ayudar a cerrar la
brecha del conocimiento y oír a nuestras comunidades latinas en términos de
literatura, de escritura. Quiero
que nuestros jóvenes latinos escriban de corazón, expresen sus sentimientos y
permitan que nos escuchemos unos a los otros.
http://www.jornada.unam.mx/2015/06/11/cultura/a04n1cul
Activismo, resistencia, sensibilidad y
utopía trasminan la Bienal de Venecia (LA JORNADA)
Visitar
la edición 56 de la Bienal de Venecia es una experiencia desconcertante para un
espectador habituado a recorrer sus salas satinadas, colmadas de artistas a la
moda. La
biennale había sido hasta ahora expresión de la supremacía artística europea y
estadunidense a pesar de la paradójica estructuración por pabellones
nacionales. El
interés del curador de la muestra central por los artistas de la periferia se
había limitado a la búsqueda de un exotismo dócil, o bien, de estilos
europeizantes. Aunque
en la bienal pasada –la de Massimiliano Gioni–, se había avistado un cambio,
ahora con el nigeriano Okwui Enwersor se ha subvertido por completo: es la
periferia que por primera vez se apropia de la bienal.
Por
transformar el mundo
Aquí
desfilan artistas, escritores, cineastas, performers, compositores y músicos,
muchos de los cuales son ajenos a los principales circuitos del arte,
provenientes y activos en todas las regiones del planeta, mancomunados por la
voluntad de transformar el mundo, cuya inspiración deriva de los desastres que
el sistema capitalista genera: desigualdad, sometimiento, racismo, migración
masiva, guerra, destrucción ecológica, individualismo exasperado y, sobre todo,
obsesión por el poder y el dinero. Es
una muestra fuertemente politizada, pues Okwui denuncia con valentía y
profundidad la infinidad de elementos que hacen nuestro mundo injusto, inhumano
e imperfecto, sin mancha de moralismo; se aprecia la vitalidad de infinidad de
creadores que parecía subterránea y que emerge ante el público con toda su
potencia. Se
entiende, por ejemplo, cómo los países tercermundistas viven una condición de
neocolonialismo, donde el sometimiento militar del pasado fue sustituido por el
control económico-financiero de hoy. La
fachada del pabellón central en los jardines resume la clave de lectura de la
muestra a través de pocos elementos: el artista colombiano Óscar Murillo
descontextualiza la fachada neoclásica colgando a lo largo de ella enormes
trapos negros que piden observar la historia desde otra perspectiva. Encima, en
lo alto, se despliegan tres palabras en neón del artista originario del Bronx
Glenn Ligon, referidas a un hecho de la brutal represión policial de los años
60 del siglo pasado en Estados Unidos: blues, blood, bruise (blues, sangre, moretón). Domina
el negro, no sólo como color sino como espacio de reflexión y participación del
mundo africano, capaz de transmitir valores culturales empezando por la música
y la oralidad que es uno de los sellos distintivos de esta bienal. La
muestra sugiere una salida para el futuro del mundo: regresar al origen y crear
un nuevo sistema económico y político. De ahí la marcada presencia de El
capital, de Carlos Marx, que será leído de manera ininterrumpida, y subrayado
con obras adicionales como el famoso documental Das Kapital (2008-2015), de
Alexander Kluge. La
visita concluye con las ganas de regresar porque éste es un espacio para
perderse, escuchar, reflexionar y revivir lo que hacía tiempo no se escuchaba
en el arte: utopía, activismo, solidaridad, resistencia, sensibilidad,
conciencia. Es
sintomático cómo los coleccionistas han reaccionado de modo positivo y cómo ya
el premio Turner ha elegido sus candidatos por el fuerte sentido político y
social de su obra. ¿Será el signo de una nueva era del arte? Estaremos atentos
para descubrirlo.
El IVAM pagó por obras de arte hasta un
1.500% más de su valor de mercado (EL PAIS)
Durante
años, bajo la dirección de Consuelo Ciscar, el
Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM) apostó por el artista y
arquitecto portugués Julio Cuaresma. Exhibió sus pinturas tanto en las
dependencias del Instituto Valenciano de Arte Moderno como en numerosas
exposiciones en el extranjero. Y también le compró obra, por la que llegó a
pagar hasta un 1.500% más de su valor de mercado, según recoge la auditoría
realizada por la Intervención General de la Generalitat, de la que depende el
museo. Es
sólo un caso muy llamativo de toda una serie de irregulariades, incumplimientos
o actos administrativos no justificados que recoge este informe provisional,
titulado De procedimientos de gestión económico-financiera de las actuaciones
realizadas por el Instituto Valenciano de Arte Moderno, y delimitado sobre todo
al periodo entre 2009 y 2013. El IVAM ha presentado a la Generalitat sus
alegaciones al informe de Intervención.
Este
informe fue solicitado por una funcionaria de la Consejería de Cultura cuando
se hizo cargo, temporalmente, de la dirección del centro, una vez el Gobierno
valenciano prescindió en 2014 de los servicios de Ciscar, tras 10 años al
frente del mismo en la etapa más polémica del centro. Este informe provisional,
titulado De procedimientos de gestión económico-financiera de las actuaciones
realizadas por el Instituto Valenciano de Arte Moderno, delimitado sobre todo
al periodo entre 2009 y 2013, refleja numerosas por las irregularidades e
incumplimientos que recoge. En
2011, el museo adquirió el cuadro de Julio Cuaresma Della bestia triunphante
por 32.400 euros. Sin embargo, su valor de mercado alcanza como máximo los
"2.000 euros". Esta es la estimación que realiza el experto requerido
por la Intervención de la Generalitat en función de los precios pagados en
subastas por otros óleos del mismo autor (400, 600 y 300 euros) en aquellos
años. El tasador es el profesor de Historia del Arte de la Universidad Complutense
de Madrid, Jaime Brihuega, un profesional de experiencia acreditada e
integrante del comité que valora las donaciones (que no las compras) al IVAM,
también bajo la dirección de Ciscar. El Ministerio de Cultura declinó hacer
otra valoración, a instancias de Intervención, por considerarse no competente. Hay
más sobrecostes, si bien sólo se practicó "una muestra aleatoria de obras
adquiridas [en total cinco] en el periodo de control", apunta el informe
de la Intervención. Por ejemplo, el IVAM pagó en 2009 por la fotografía The
deluge, de Miao Xiaochun, 18.000 euros en 2009 y su valoración es de 8.000
euros, un 125% menos. También pagó 128.400 euros por una obra de Natividad
Navalón, valorada en un máximo de 75.000 euros. De las cinco obras analizadas por
el experto, la diferencia entre lo pagado y lo valorado oscila entre el 45% y
el 1.520%. Obra
de Cuaresma 'Della bestia triunphante' comprada por el IVAM por 32.400 euros y
valorada por un experto en 2.000 euros, según el mercado. La imagen se ha obtenido
del blog del artista.
En
2008, eI IVAM adquirió un conjunto de 63 fotografías chinas al galerista Gao
Ping, encarcelado posteriormente por ser el presunto cabecilla de una red
mafiosa de blanqueo de dinero en España, por 442.280 euros, un precio por encima
de su valor en el mercado, según se advirtió desde dentro del museo.
Intervención alerta ahora de que el título de las obras adquiridas finalmente
no coincide con el del informe favorable de la Comisión de Adquisición. Otra
operación rodeada de polémica sobre la que hace hincapié Intervención fue el
contrato de compraventa y donación con José Luis Rueda, heredero de Gerardo
Rueda, por 2,3 millones de euros. Se adquirían siete obras y se debían recibir
77 como donación. La auditoría señala que una de las obras compradas no consta
en las dependencias del museo, aunque figura como entregada, así como tampoco se
recibieron 32 obras donadas. En
cuanto a las irregularidades detectadas en las publicaciones del museo,
Intervención señala la edición de los 20 números de la revista Cuadernos del
IVAM por un importe total de 2,3 millones de euros desde 2004 al 2014. Se
adjudicó directamente a la firma Arlanza Editores, luego absorbida por Unidad
Editorial Revistas. Cuadernos del IVAM se distribuía junto a la revista
Descubrir el arte, que estuvo dirigida por Rafael Sierra, colaborador habitual
de Consuelo Ciscar. Sierra comisarió numerosas exposiciones en el IVAM y
también algunas muestras del joven artista Rablaci, hijo de Ciscar y de Rafael
Blasco, extitular de varias consejerías durante el mandato del PP en la
Generalitat y ahora condenado por el Tribunal Supremo a seis años y medio de
prisión por varios delitos en el manejo de fondos destinados a la cooperación.
Exposición
de Gearardo Rueda en el IVAM, en 2006. / JESÚS CISCAR
Intervención
alerta del fraccionamiento del contrato de Cuadernos del IVAM, cuando debería
haber sido una "licitación genérica a través de un procedimiento
abierto". Verifica, además, que constan en el museo informes desfavorables
a tal contratación de la Jefa del Departamento de Gestión Administrativa del
IVAM por "omitir los trámites legales". También
se detiene Intervención en la contratación por 213.000 euros, entre 2009 y
2011, de Miguel Ángel Sazatornil para prestar los servicios para la
Coordinación Cultural y la Gestión de Espacios Expositivos para el IVAM en
Asia. "No consta procedimiento de licitación y adjudicación para la
prestación de servicio" y "el pago del precio del contrato se realizó
antes de la fecha del fin" del contrato, advierte la auditoría sobre la
contratación de Sazatornil, compañero de María Cruz Alonso, cuando ésta
comisarió una exposición de Rablaci por varias ciudades chinas, en colaboración
con Sierra. Entre
otras cuestiones procedimentales y administrativas, la auditoría también pone
peros en los gastos mensuales de 2.823 euros desde 2009 hasta 2012 a Norberto
Martínez por prestar servicios como colaborador literario y corrector de
textos, sin que conste la formalización de ningún contrato. El pago de dichos servicios
acabó cuando Martínez fue nombrado subdirector de Publicaciones del IVAM.
Además, la auditoría repara en el pago de viajes y dietas a Pilar Mundina,
ayudante de Ciscar, por un total de 37.903 euros "sin que se haya
acreditado el motivo de sus desplazamientos ni la relación laboral de esta
persona con el IVAM". Consuelo
Ciscar fue nombrada directora del IVAM en 2004 bajo el mandato del entonces
presidente de la Generalitat, Francisco Camps, del PP. En abril de 2014, el
Gobierno presidido por Alberto Fabra, escenificó una salida pactada con Ciscar,
que en realidad fue una destitución, y la puesta en marcha de un concurso
internacional para elegir al nuevo director, en el que salió elegido José
Miguel García Cortés. Consuelo Ciscar ha declinado pronunciarse sobre el
informe de Intervención, tras el requerimiento de este diario.
Reacciones
políticas
A
los pocos minutos de publicar el informe de Intervención por EL PAÍS, la
consejera de Cultura y portavoz del Gobierno de la Generalitat, María José
Catalá, ha recordado esta mañana a este diario que la auditoría fue requerida
por la propia Generalitat y que aún es provisional [Hoy mismo el museo ha
entregado sus preceptivas alegaciones a la Generalitat, las conclusiones de las
cuales se explican más abajo]. Sobre las valoraciones de las obras de arte,
manifestó que se han de contrastar esas tasaciones, durante la sesión de
constitución de la Mesa de las Cortes Valencianas. Fuentes de la Generalitat
incidieron en que no se apreciaron indicios de conducta penal cuando se analizó
el informe de Intervención e incidieron también en que cualquier funcionario
tiene la obligación de denunciar si observan indicios de delito.
La
nueva dirección insta a actuar a la Abogacía de la Generalitat
El
nuevo equipo directivo del IVAM, liderado por José Miguel Cortés, responsable
del museo desde el pasado septiembre, ha presentado un escrito de alegaciones,
como es preceptivo, al informe de la Intervención de la Generalitat. En su
último apartado, señala: "Sin perjuicio de lo expuesto en las alegaciones
anteriores, el informe de la Intervención relata numerosas irregularidades que
suponen un grave quebranto para el erario público y, en particular, para el
maltrecho presupuesto del IVAM". Estos hechos podrían constituir además
conductas tipificadas en el ordenamiento jurídico penal que desbordan la
capacidad de los servicios del IVAM para responder adecuadamente a la gravedad
de tales hechos por lo que es necesario dar traslado a la Abogacía de la
Generalitat al objeto de que se interpongan cuantas acciones sean necesarias
para la recuperación de los importes señalados en el Informe de la Intervención
General, así como para la determinación de las responsabilidades a que se
hubiere lugar". En
sus alegaciones, el IVAM también explica algunos procedimientos administrativos
cuestionados por la Intervención, los cambios acometidos por la nueva dirección
y la corrección de otros, a tenor de las recomendaciones de la Intervención. Respecto
a la compra al heredero de Gerardo Rueda, se indica que se han reclamado las 33
obras que faltan, cuyo depósito en la Fundición Capa era conocido por el museo.
También se rebaten algunas recomendaciones. En
relación con la publicación de Cuadernos del IVAM, la dirección del museo
traslada a Intervención de no continuar con la misma y que para el número 20,
el último de los editados, no ha sido la factura (90.000 euros) a la empresa
editora "por no haber justificado la efectiva realización del
contrato".
